Como siempre, al final del texto ofrezco una melodía para acompañar la lectura
La gente quiere tiempo,
reclama más y más, pero el tiempo avanza inexorable, inabarcable. Está ahí,
pero se nos escapa de los dedos muy rápido. Un suspiro es pasado; una letra
más, un segundo menos. La sociedad busca ganar tiempo y para ello se fomenta la
rapidez, tanto mental como física. Todos los avances humanos giran en torno a
reducir tiempos muertos, reducir esperas y perfeccionar el sistema. Día a día,
segundo a segundo, afrontamos la vida de forma más vertiginosa. Los momentos de
silencio, los trayectos, los procesos rutinarios, todo trata de agilizarse y
perfeccionarse. Eso nos convierte en hombres flecha, más mecánicos que
racionales. Con la cabeza gacha, avanzamos y reducimos rápidamente las
distancias. Nos da miedo pararnos y la actividad se convierte entonces en una
droga que nos sobreexcita. Sin embargo, cuando una pausa llega hasta nuestras
inexorables vidas, nos inunda un pánico intangible. Como cuando un yonkie se ve arrebatado de su droga, nos
volvemos locos y un nudo empieza a retorcer nuestro estómago. Todo se paraliza
y el tiempo choca cara a cara con nosotros. Dejamos de perseguirlo, nos mira a
los ojos y tratamos de torcer el rostro, pero ya no podemos hacer nada: está en
nuestra mente. Presente, pasado y futuro, todo se entremezcla y atormenta
nuestra existencia. Nuestra cabeza gira y gira. Y entonces, cuando el tiempo
nos sobrepasa, una idea comienza a surgir en nuestro cerebro. La respuesta que
buscábamos está en el arte cinematográfico. Desde ahí, el tiempo está a nuestro
servicio y no al revés[1].
Sin embargo, esto no nos
tiene que llevar a un equívoco: podemos moldearlo y manipularlo, pero nunca lo
podremos poseer. Si paramos una cinta, el tiempo sigue pasando y solo vemos el
congelado de una imagen. No es posible detener el tiempo y visionar más allá de
esa parálisis sin que nuestra vida avance. Es antinatural, y por supuesto, solo
sucede en la ficción, en casos excepcionales como la sala del Espíritu y el
Tiempo[2] de
Dragon Ball o gracias a superpoderes como los del profesor Xavier en X-Men. Y
aún así, todo tiene un límite. Para Wong Kar-wai, el límite de su película 2046[3] está
en la mente del protagonista, Chow Mo-wan. En ese caso, el tiempo se ve
condicionado por el punto de vista del personaje: su narración, sus
sentimientos, sus emociones... El espectador acompaña su visión subjetiva de la
vida y se une a su búsqueda por el amor. Chow Mo-wan escribe sobre un futuro
llamado 2046, aunque en realidad lo hace sobre su propio pasado. En sus
historias, el tiempo se paraliza por completo. El personaje nos introduce en
ese mundo y nos adentramos en su fantasía. Para él es un medio de catarsis, un
refugio, pero al final, el tiempo siempre acaba pasando. Vuelve a su rutina y
poco a poco se da cuenta: el amor sigue sin llegar y el tren de 2046 continúa
avanzando, buscando su sitio. Su amante le deja para siempre y la mujer de la
que está enamorado tiene mejores planes en Japón, con su prometido.
El paso del tiempo, desde
un punto de vista psicológico, está muy bien aplicado en esta película. Según
se quiere expresar un detalle u otro, se acelera o se ralentiza el momento.
Normalmente, esta manipulación temporal viene vinculada a un instante clave
para el protagonista. Cuando disfruta de una mujer, de su compañía, el tiempo se
dilata ralentizando la imagen para transmitir esa necesidad de capturar el
momento, de que sea eterno. Por el contrario, cuando Chow Mo-wan está
sufriendo, le vemos sentado solo en una cafetería, con el movimiento de su
cuerpo ralentizado, en contraste con el efecto acelerado que se aplica al resto
de personas que están ahí. Esa angustia, centrada en la manipulación del tiempo
como recurso artístico, refuerza el conflicto interno del personaje. 2046 reestructura
el tiempo de muchísimas maneras, aunque su efecto trasciende del netamente
visual: se concentra en potenciar la dramaturgia de las escenas. Y eso es lo
verdaderamente importante. Sin embargo, no hay que utilizar este poder a la
ligera, ya que un mal uso de estos recursos puede destruir nuestra idea
original. No en vano, la manipulación del tiempo se mueve entre dos polos: lo
ridículo y lo fascinante. Y hay que evitar caer en el primero de ellos.
A diferencia de nuestro poder sobre la ficción, en la realidad estamos
atrapados. Nuestras vidas avanzan en un único sentido y no existen ralentizados, acelerados o flashbacks[4]. Un
momento es historia dentro de dos segundos y no podemos acelerar la cinta si
nos están haciendo daño. Tampoco volver hacia atrás para revertir el curso de
las cosas o revivir un tiempo pasado. El tiempo es el que es, pero gracias a
nuestra obsesión por atraparlo, gracias al cine, podemos disfrutar de su
manipulación. Aunque sea por un momento, nos sentimos dueños de lo que ha
ocurrido, de lo que ocurre y de lo que está por suceder. Esa es la grandeza de
este intangible placer. Y aunque el dulzor en nuestros labios termine
extinguiéndose, no está mal recordárnoslo: más allá de la vida tenemos un
refugio en el arte.
*Texto realizado como ensayo para la asignatura Historia Estética del Cine
[1] Para que sirva de
aclaración: creo que el cine es el medio que mayor control ejerce sobre el
tiempo, aunque eso no significa que no haya otros artes que sean capaces, al
menos, de capturar el tiempo para la posteridad.
[2] En este lugar especial,
localizado en el interior del palacio de Kami Sama (Dios), el tiempo transcurre
de forma muy diferente a como lo hace en la Tierra. Un día terrestre equivale a
un año en la sala del Espíritu y el Tiempo. Sin embargo, si pasas dos días
completos allí – dos años –, la puerta de salida se desvanece, encerrándote
dentro para siempre. Pese a la ciencia ficción, incluso en Dragon Ball se evita
el control máximo sobre el tiempo: escapa a nuestra comprensión y conocimiento.
[3] Película publicada en
2004. Nos narra las experiencias en el amor de un escritor que está buscando su
lugar en el mundo.
[4] Nuestros recuerdos pasados
podrían considerarse flashbacks, aunque nunca recordamos todo con precisión.
Tan solo en medios artísticos como el cine es posible revisitar el pasado con
todo lujo de detalles.
Esperad, ¿he escrito "crítica"? Borrad eso ahora mismo de vuestra mente. Lo que os voy a contar a continuación no tiene nada que ver con una crítica. De hecho, se trata de algo extremadamente personal. ¿Por qué os lo cuento? Bueno, digamos que quiero compartir la experiencia, aunque ya aviso a navegantes: no puedo hablar de nada sin desmenuzar la película. Lo siento, pero llegar a mis entrañas supone abrir en canal una res; en este caso, el film.
"Lo terrible está encerrado en lo bello, lo mismo que lo bello en lo terrible" - Andrei Tarkovski.
Si no habéis cambiado de pestaña y todavía seguís aquí, espero que no me lapidéis al realizar la siguiente afirmación: el salvajismo en el cine, como catarsis y desfogamiento, es terriblemente bello. Y creo que ahí está la clave de lo que me ha ocurrido con You're Next.
Sharni Vinson, agotada durante la recta final del film
No soy un asesino en serie, pero ayer me habría gustado matar a alguien. Y al ser eso imposible, por infinidad de razones, solo me quedaba una vía de escape: la ficción. Antes de llegar al cine, andando por la calle, ya me sorprendí balbuceando improperios: "estoy hasta los cojones. Quiero ver una película en la que muera hasta el apuntador, hasta el becario de los cafés, hasta el script... ¡TODOS!". Viendo el resultado de mi experiencia con You're Next, la verdad es que no me puedo quejar. Lo cierto es que en esta película he encontrado casi de casualidad una forma de purificar mi alma, que estaba maltrecha tras varias semanas de mierda. Al salir de la sala de cine tenía otro ánimo y me sentía conmovido, desahogado. Ya no tenía ganas de matar a alguien.
Animal, visceral, salvaje
La protagonista de la película, Erin (Sharni Vinson), tiene gran parte de culpa. Actualmente, mi mundo se siente amenazado - metafóricamente hablando - y me siento como un superviviente que mide lo que hace día a día y lucha por sobrevivir. Erin también está siendo acechada, pero durante el film descubrimos que es experta en supervivencia, así que se las apaña mejor que cualquier otra persona en esa situación.
Sin embargo, dejemos un momento de lado a nuestra querida Erin y hablemos sobre la estructura de You're Next. Este film se encasilla comercialmente en el género del terror y los slasher, aunque se abre a más etiquetas, como el thriller o la comedia negra. Su premisa es muy sencilla y arquetípica: una familia está disfrutando en un chalet apartado de la ciudad, cuando de repente son atacados por un grupo de lunáticos con machetes y máscaras. No voy a engañar a nadie: el punto de partida inicial está muy trillado, pero You're Next logra ser singular dentro de la pluralidad.
Pasado el primer acto, donde el espectador va siempre por detrás de lo que saben los personajes, tanto antagonistas como protagonistas, You're Next se desmarca y aplica giros de guion muy acertados y sutiles. Poco a poco, los personajes nos van aportando información crucial para entender las motivaciones de los asesinos. El sentido nuclear de la película cambia. Del pavor y horror inicial, pasamos a una tesitura en la que sabemos dos cosas clave: tres miembros de la familia están detrás de los ataques y Erin es una dolorosa astilla con la que no contaban.
Sharny Vinston en su indomable lucha por sobrevivir
Ahí es cuando empiezo a sentir una gratificación inmensa. En ese momento, mientras veo la película, recuerdo algo: el triangulo de los roles. Miguel Machalski hablaba sobre él en su libro, El Punto G del Guion Cinematográfico: "Este triángulo se basa en que en toda relación afectiva inmadura (...) los individuos desempeñan tres roles: el de perseguidor, el de salvador o el de víctima". Erin comienza siendo víctima de los ataques. Poco después se transforma en salvadora de sí misma, por su naturaleza de supervivencia, y finalmente termina siendo ella la perseguidora. Como podéis observar, durante la película se cambian las tornas. Al principio no sabemos nada y vamos por detrás de los personajes; al final lo conocemos todo y es Erin la que acecha al resto de enemigos.
Por lo tanto, afirmaría sin temor a equivocarme que You're Next pasa de ser una película terrorífica a convertirse en un thriller salvaje que roza la parodia. Los antagonistas se "humanizan". Se les desenmascara y dejan de ser perseguidores para ser víctimas. Hay cambio de roles y se entiende perfectamente su motivación: los tres familiares que han montado todo el tinglado pagan a los asesinos para deshacerse del resto de la familia y así cobrar la herencia sin que nadie sospeche nada. Es un plan tan asquerosamente retorcido... que claro: se la cuelan a todos. Bueno, a casi todos.
El error que cometió este macabro trío - cuya formación encierra una sorpresa que no revelaré - fue establecer prejuicios sobre la protagonista Erin. Ninguno, ni su propio novio, conocían su pasado salvaje. Erin llevó una vida animal durante su infancia y aprendió a defenderse por sí sola. Todo por la obsesión de su padre con la supervivencia y el fin de la sociedad moderna. Nunca se lo contó a nadie por miedo a sentirse rechazada, a resultar un bicho raro. Es curioso, pero su secreto es lo que la salvó. Moraleja: nunca muestres tus mejores armas a carta cabal ¿Por qué? Porque tu mejor amigo puede ser mañana un visceral enemigo.
Ver You're Next ha sido un ejercicio de purificación. Necesitaba empatizar con alguien y sentirme identificado... romper con todo. Así que, si de verdad queréis matar a alguien, os animo a que vayáis a verla. Quizá os resulte gratificante, como así ha ocurrido conmigo.
Para concluir, y como compensación a mi gancho inicial - esa parafernalia tramposa sobre una experiencia "extremadamente personal" - os dejo con una de las canciones de la película. Disfrutad y nos vemos en el cine.
"No conviene deleitarse en los sueños, Harry, sino tan solo en vivir", Harry Potter y la Piedra Filosofal.
Esa es la frase que está escrita en los folletos que vamos repartiendo al público. Son las 11:45 de la mañana y faltan muchas cosas por preparar. No tenemos todavía los focos en su sitio, ni siquiera las cámaras. De hecho, acabamos de recibir ese material hace tan solo 5 minutos, aunque parezca increíble.
Apenas quedan 15 minutos para que empiece la gala. Todo son nervios flotando en el ambiente, espadas imbuidas por una extraña magia que te hace moverte de un lado para otro sin saber muy bien qué estás haciendo. Solo oyes voces a tus espaldas, un tic, tac continuo que te recuerda que solo queda un suspiro. Las agujas del reloj corren en tu contra, aunque ya eres experto en este tipo de situaciones: llevas más de dos meses trabajando día y noche para que esto salga adelante. Por ello, llega un punto durante la pre-gala en el que piensas lo siguiente: "no sirve de nada preocuparse, lo que venga vendrá y le plantaremos cara". En ese momento, aunque parezca que te desentiendes de lo que ocurre a tu alrededor, sucede lo contrario: te quitas la pesada losa que cargabas con sudor y te concentras en tu objetivo. El tiempo sigue pasando y piensas que parece mentira que todo vaya a terminar en unas horas. Coges la cámara, haces balance de blancos, enfocas y te planteas el encuadre. Llamas a tus cámaras, les das instrucciones y les pides que te avisen ante cualquier percance. Sin embargo, ese percance llega antes incluso de empezar: las cámaras tienen la memoria llena. Adrián llega como una exhalación y nos pide que le entreguemos las tarjetas para descargarlas. La voz de Paula, mi productora, resuena sobre el bullicio: ¡quedan 5 minutos y abrimos puertas!
Trato de ver las cosas con filosofía, pero siento que no nos va a dar tiempo, ¿a quién coño se le ha ocurrido la genial idea de usar las cámaras de la Universidad la misma mañana de la gala? ¿Por qué nadie canceló esa actividad previa? En ese momento pienso que todo es muy irónico y relativo: desde rectorado vienen señores que tienen preparadas butacas en primera fila; personas que luego alabarán nuestro trabajo y saldrán encantadas... no digo que eso esté mal, pero creo que luego se atribuyen méritos que solo nos pertenecen a nosotros. Esta gala es nuestra y de nadie más, y quién piense que la Universidad nos ayudó en grandes gestas como esta, está equivocado. Ni siquiera los sketches están grabados con sus cámaras. Ojo, no hay que confundir Universidad con profesores. Lo primero es un ente rodeado de la más negativa burocracia y lo segundo son personas increíbles, que se sacrifican día a día y que nos han ayudado a que esta gala sea una auténtica fiesta.
La voz de Aram, uno de los cámaras, me saca de mi ensoñación: "ya tenemos las tarjetas". Me da un vuelco al corazón, literalmente, por fin podemos empezar. Mientras colocamos las tarjetas oigo la voz de Paula a lo lejos; quiere abrir ya las puertas y lleva a cabo su papel de productora a la perfección. Es necesario que alguien te grite y te recuerde que hay doscientas personas ansiosas por entrar a ver tu creación. Estamos fuera de tiempo y Paula sigue gritando. Sin embargo, no podemos empezar: el balance de blancos está mal hecho y hay que corregirlo. En nuestra defensa diré que apenas había luz... y menos algo blanco en el escenario que poder usar como referencia. Armado de valor, bajo al escenario y me quedo de pie, esperando a que los cámaras hagan el balance con mi camisa blanca. Oigo la voz de Paula nuevamente. Me increpa que esté haciendo el mono en el escenario cuando ya deberíamos haber empezado. Son momentos de tensión en los que no sé que hacer. Los cámaras, yo incluido, me piden un par de segundos más para calibrar, pero mi productora está a punto de bajar con un cuchillo para cortarme el cuello. Me doy un par de segundos para pensar, pero mi mente está llena de voces exteriores, así que empiezo a actuar por instinto. Salgo del escenario y subo corriendo por las escaleras hasta llegar a mi cámara central. Le doy al botón de grabar y grito: "¡Estoy grabando!".
Paula corre hasta la entrada del aula magna mientras grita: "¡ya pueden pasar, estamos grabando, ya pueden pasar!". Siento que me he quitado un peso de encima. Por fin puedo respirar. Por un momento me doy cuenta de lo cansado que estoy: llevo trabajando desde las nueve de la mañana y me he acostado a las cuatro de la madrugada. Me doy una pausa y me dedico a observar todo lo que ocurre a mi alrededor; saboreo el momento y me pido calma a mí mismo. Mis compañeros de la pecera parecen estresados. No me extraña nada: solo hemos ensayado los monólogos de Isaac... El resto de cosas, incluida la proyección de sketches, se van improvisando sobre la marcha.
La gente va entrando y veo los ánimos más calmados. Me sorprende que hayan venido tantas personas. Es viernes y en la Facultad de Comunicación no hay clase: panorama perfecto para haberse quedado en casa. La respuesta de nuestros compañeros dice mucho de lo que han valorado nuestro sacrificio. Su llegada es la primera gran alegría de la mañana.
Fotografía: Ángel Getán
Todo fluye sin problemas y el primer sketch parece gustarle a la gente. Cuando Isaac cae en el escenario tras pasar por el andén 9 y 3/4 el aplauso es ensordecedor. En ese instante se me pone la piel de gallina y me sumo al bullicio generalizado. Sin embargo, veo que algo falla: los focos están apagados. Empiezo a girar la cabeza en busca de alguien del equipo. Veo que Ángel Getán se ha dado cuenta del problema y empiezo a correr hacia él. Cuando llego hasta su altura susurro "¡los focos!" y le empujo para que comience a bajar las escaleras. Ahora que todo está solucionado, vuelvo hasta mi posición y me relajo. Intento hacer contacto visual con algún compañero de la gala para encontrar miradas de complicidad. Veo los ojos de Carolina Flores, que sonríe y hace un gesto de victoria con la mano. La gala está funcionando, pero yo aún tengo miedo de que el ritmo decaiga con el paso de las horas. Un error en el orden de los sketches me vuelve a activar. Se está proyectando un vídeo en la pantalla que debería salir más tarde. ¿Dónde está el primer sketch de la trama? Os explico: la trama principal de Jorgwarts se divide en 4 sketches. Nos acabamos de comer con patatas el primer sketch. Pienso en Teresa Mactojergall, que pasó mucho frío ese día de rodaje. Creo que se estará revolviendo en el asiento, aunque ya no se puede hacer nada. Me da pena que lo que ha pasado y empiezo a buscar a mis compañeros de equipo. Hablo con Paula y le explico que tenemos hacer una reestructuración de sketches. Nadie se ha dado cuenta de nuestro error, de hecho, me sorprende que el resultado haya quedado tan bien. Nacho Lasierra tenía razón cuando nos decía el año pasado esta frase: "en un sketch, al igual que en una fiesta, entra tarde y vete pronto". Comienzo a pensar que el primer sketch es innecesario, pero aún así sigo mosqueado, sobre todo por no saber qué va a pasar con el siguiente bloque, así que voy a pecera corriendo. Salgo de la sala y llego a la entrada del pequeño y claustrofóbico habitáculo. Veo un cartel en la puerta que reza: "No pasar, por favor". ¿En serio alguien le va a hacer caso a este texto en una crisis como esta? Entro sin hacer caso a su señal y les explico lo sucedido. Veo caras de preocupación y nerviosismo. Trato de solucionar el embrollo, pero me doy cuenta de que no pinto nada allí. Ellos ya son conscientes de lo que ha ocurrido y mi presencia solo les presiona más. Salgo de allí y vuelvo a mi posición original: detrás de la cámara central. Observo el visor y se me cae el alma a los pies: la tarjeta de la cámara solo aguanta una hora. Eso quiere decir que puede que la memoria no llegue a la publicidad. Rezo para que ocurra lo contrario y busco mi portátil para preparar el trasvase de archivos.
Entre todos esos problemas que van surgiendo, me doy cuenta de algo muy importante: la gente se está riendo a carcajada limpia y varias personas que están de pie cerca de mí se giran para darme la enhorabuena por el resultado final. Los elogios me llenan de fuerza para poder seguir afrontando los problemas y una lágrima comienza a nacer de mis cansados ojos. Estoy emocionado. Es uno de los momentos más especiales de mi vida. Un día que llevaba esperando semanas y que creía que nunca llegaría. Son momentos muy bonitos y muy difíciles de explicar con palabras. He ahí la magia de la gala. Una sensación tan plena como intangible.
Fotografía: Ángel Getán
Isaac, nuestro presentador, lo está haciendo genial. Parece increíble que este chico sea así de eficiente y profesional en lo que hace. Apriori parece una persona normal y muy amable, pero de pocas palabras. Aunque parezca sorprendente, Isaac no es la persona más extrovertida del mundo. El día previo a la gala pasé prácticamente todo el tiempo a su lado, como si de un hermano se tratara. Me formé una idea de quién era que quedó lapidada cuando comenzó a ensayar su monólogo. Pasó de cero a cien en unos segundos. Me quedé boquiabierto y pensé: ¿Dónde estaba el Isaac que yo había conocido? La velocidad de sus frases, su capacidad para improvisar y retener información, sus tablas como presentador... Él es uno de los principales partícipes de que la gala funcione tan bien.
La fiesta de la Universidad está llegando a su fin y todos subimos al escenario para cantar el himno. Algunos dirán: "qué repipis, que suben para cantar un himno". Deberían leer la letra del himno y nuestra forma de ejecutarlo. La iniciativa de este cántico nace de unos alumnos que se pasan la vida viendo películas y reflexionando sobre lo que ocurre a su alrededor, así que no es de extrañar el toque cómico y casual de la canción. Este momento de la gala parece fuera de lugar, pero yo me lo paso en grande haciendo el gilipollas en el escenario y siento que estamos soltando adrenalina. Llevamos muchos meses de cansancio y estrés, así que no viene mal hacer el gamba un rato y reírte con todos, como si formaras parte de una familia muy grande y bonita. Tras terminar, veo a Isaac partiéndose de risa y a Teresa Mactojergall nerviosa. Sí, ella también estaba cantando el himno. Nuestro magnífico presentador comienza a pedir aplausos del público para cada uno de los grupos internos que han formado la gala. Es un momento muy importante para todos, aunque yo me doy cuenta de un detalle: Isaac no va a mecionar nada sobre la gente de la pecera. Lo sé porque yo le escribí el papelito con los distintos departamentos de la gala: guionistas, realizadores, productores, la 'chica' de publicidad (gran trabajo de Celia), redacción, etc. Miro hacia la pecera y veo que los compañeros que están dentro comienzan a hacer gestos tratando de llamar la atención. Sin dudarlo un instante, me acerco hacia Isaac y le susurro al oído: "¡la pecera, menciona a la gente de la pecera!". Dicho y hecho: Isaac araña unos cuantos aplausos más y desde la pecera nos señalan con gestos de complicidad.
Solo quedan las tomas falsas y todo habrá terminado. Es un momento cómico, pero la realidad es que apenas habíamos tenido tiempo para hacer esa sección en condiciones, así que cogimos a Jorge (el periodista que hizo la entrevista a Gabilondo) y le sacamos los colores una y otra vez. Tras ese sketch y nuestra despedida con la música de Misfits, veo algo que no me esperaba: los editores han preparado un vídeo épico mandando pullitas a guionistas y realizadores por todos los problemas y quebraderos de cabeza que les hemos dado.
La gala llega a su fin y todo el equipo sube al escenario para recibir el calor de la gente. No sé como describir ese momento, pero siento que estoy flotando. Todos nos felicitan al salir y se muestran entusiasmados. Hemos dejado una huella en la memoria colectiva de la Universidad San Jorge que permanecerá ahí para siempre. Para despedir esta entrada quiero que os quedéis con esta idea:
"Seremos más fuertes cuanto más unidos estemos, y más débiles cuanto más divididos" - Harry Potter y El Cáliz de Fuego.
Tan solo quedan unas semanas para el esperado lanzamiento de Wii U, el nuevo sistema de entretenimiento de Nintendo. Shigeru Miyamoto,
que recibió el premio Príncipe de Asturias hace unos días, ha concedido
una entrevista al portal IGN antes de su vuelta a Japón. El genio ha
experimentado muchas veces la sensación de estar ante un gran
lanzamiento. De hecho, lleva en Nintendo desde que la empresa japonesa
comenzó sus primeros pasos en el mundo del ocio electrónico. Aún así, el
creativo reconoce que los nervios siguen ahí.
"Por supuesto que hemos experimentado la sensación de lanzar un nuevo 'hardware', y he de admitir que cada nuevo lanzamiento estoy más nervioso que emocionado".
Sin embargo, esta vez parece que Nintendo afronta el nuevo lanzamiento
mucho más relajada, ya que todavía queda tiempo hasta que Microsoft y
Sony anuncien sus nuevas consolas.
"Hasta ahora, siempre que hemos lanzado un nuevo 'hardware' al mercado, el público ha entendido que entrabamos en una competición", cuenta Miyamoto. "Han
discutido sobre como Nintendo podría ser capaz de competir con otras
compañías con ese nuevo lanzamiento. Dentro de la compañía nunca hemos pensado así...
pero era inevitable que la gente viera las cosas de esa manera. Sin
embargo, esta vez creo que estamos en una mejor posición para poder
concentrarnos en que nuestro mensaje se entienda, y ese mensaje es que proponemos experiencias nuevas, únicas".
El
mercado ha cambiado mucho desde que Wii llegara a nuestras casas hace
ya más de 6 años. El mundo tecnológico avanza a pasos de gigante:
tablets, netbooks, portátiles, 'smartphones' y otros dispositivos ya
forman parte de nuestra rutina y están invadiendo un espacio antes
dominado por la televisión. Si alguien asegura que Nintendo está
ignorando todo este cambio en la forma de ver y entender el
entretenimiento electrónico, es que realmente no está entendiendo la
propuesta de Wii U. "Cuando observamos la convivencia en la sala de
estar de los hogares, aunque muchos miembros de la familia estén en el
mismo lugar, en realidad están trabajando en cosas diferentes - algunos
están atentos al portátil, otros están viendo la televisión", explica Miyamoto.
"Esta vez, alrededor de Wii U, cada una de las diferentes actividades que hacemos hoy puede ser unida aprovechando tanto la pantalla de una televisión como la pantalla pequeña del Wii U Gamepad".
Miyamoto continúa explicando la forma en la que el entretenimiento va a cambiar: "Con
un Wii U Gamepad, la televisión puede ver mejorada su experiencia
también. Por ejemplo, navegar por internet desde la televisión es
posible a día de hoy, pero no es práctico y cómodo; con Wii U es mucho más sencillo. Sobre todo, pienso que Wii U va a ser capaz de unir más a la familia aprovechando la televisión de un modo más eficiente".
Si
la nueva propuesta de la compañía japonesa ha nacido del deseo de unir
más a las familias, esta no sería la primera vez que Nintendo ha buscado
ese objetivo. DS y Wii son un claro ejemplo de esto que hablamos.
Juegos como Wii Fit, Brain Training o Animal Crossing son el resultado
del deseo de intentar hacer llegar los videojuegos a un mayor público. A
la pregunta sobre si Wii U es realmente un herramienta para unir a las
personas, Miyamoto respondía lo siguiente: "Sí, exactamente. Incluso
aunque Nintendo siempre haya tratado de hacer posible que la familia se
reuniera en torno a una consola, la verdad es que nuestras consolas han
sido vistas como un obstáculo porque algunos miembros de la familia no
podían ver sus programas favoritos en la televisión. Esa situación va a
ser completamente diferente con Wii U, ya que podrás jugar a la consola
desde el Wii U Gamepad sin molestar al resto".
Sin embargo,
mucha gente se muestra escéptica en este aspecto, ya que casi todos
tenemos más de un televisor en casa. Podemos jugar a la consola sin
molestar al resto de la familia. En ese caso se pierde el objetivo que
Nintendo espera alcanzar con su nueva consola: vivir una experiencia en
compañía.
Sobre la pregunta acerca de la explotación de franquicias como Mario, Miyamoto respondía lo siguiente:
"La verdad es que a menudo nos recuerdan 'otro Pikmin, otro Mario, por qué no sacáis nuevas franquicias y nuevas ideas', pero... aunque creemos una nueva entrega de esas franquicias, siempre tratamos de hacer el entretenimiento único.
Un camino para lograr eso es estudiar las nuevas tecnologías que
tenemos y aplicarlas a una franquicia existente de forma que la
experiencia sea totalmente nueva".
Los
juegos de Nintendo marcaron nuestra infancia y han evolucionado con
nosotros como jugadores. Sin embargo, desde IGN se preguntan cómo será
capaz Nintendo de atraer a los jugadores habituales que han perdido la
ilusión por las franquicias de la compañía.
"Empecé a crear videojuegos hace más o menos 30 años, pero no siento que haya cambiado mucho como persona desde entonces", explica el creativo. "Todavía hago juegos que hacen sentir a los jugadores de la misma forma. Una cosa diferente es que los temas que elijo tienen mucha más variedad que antes; los adultos que juegan ahora pueden disfrutar como si tuvieran 30 años menos".
"Desde
la perspectiva del desarrollador, la gran diferencia con respecto a lo
que veíamos hace 30 años es que muchos niños jugaban con videoconsolas,
pero sus padres no los comprendían. Esos niños han crecido y se han convertido en padres, así que comprenden a sus hijos. Con esa idea en mi mente, siempre estoy intentando crear videojuegos que sean atractivos para las diferentes generaciones".
Finalmente, el creativo japonés habla sobre las 'Third-parties' y el apoyo que están recibiendo de ellas.
"Por
lo que respecta a las tecnologías, las técnicas y las habilidades
necesarias para trabajar en Wii U, contamos con las 'Third-Parties' y sabemos que
tienen todo eso. Saben cómo hacerlo", comenta Miyamoto. "Siempre
son gente de talento y tienen diferentes formas de hacer
las cosas, pero eso no es algo negativo. Puede que haya algo de
malentendido, como si Nintendo en solitario conociera como explotar su sus nuevas creaciones y no compartiera esas ideas y por eso los distribuidores
'Third-party' no pudieran crear experiencias únicas y emocionantes en
hardware Nintendo. Pero ese no fue el caso".
"No creo que
el facilitar tecnologías especiales o habilidades de cómo hacer las
cosas sea algo que provoque un cambio en la situación, porque entiendo
que la mayoría de las Third-parties tienen ya esas cosas", reconoce el creativo.
"Mi deseo es poder crear aplicaciones para juegos que atraigan a la gente y les animen a asociarse de una manera u otra, de forma que ellos puedan disfrutar más de sus vidas".
Creo que el contenido de la entrevista es muy interesante. Si queréis leer el texto original os adjunto a continuación el enlace a la entrevista que realizó el portal IGN. Antes de despedirme, os dejo los dos spots publicitarios de Wii U que se han creado hasta la fecha:
Spot publicitario para la televisión inglesa:
Spot publicitario para la televisión norteamericana:
Al final de la crítica adjunto una canción de Spider-Man que hará más amena la lectura
Cartel 'The Amazing Spider-Man'
'The Amazing Spider-Man' supone la vuelta a la gran pantalla del hombre araña. Este retorno no está exento de críticas, tanto positivas como negativas. La nueva adaptación de Spider-Man no es peor que las anteriores tres producciones cinematográficas del trepa muros, pero tiene un grave problema: el tiempo.
Se puede discurtir si esta adaptación es más fiel o menos fiel al comic, pero lo que no admite discusión alguna es que solo han pasado cuatro años desde que vimos 'Spider-Man 3' (2007). Realizar un reboot (reinicio) del superhéroe arácnido habiendo transcurrido tan poco tiempo desde la última entrega y repetir mecánicas sucedidas en 'Spider-Man' (2002), como la picadura de la araña o la muerte del tío Ben, hacen dudar al espectador de la necesidad de este producto.
La gran lastra que arrastra 'The Amazing Spider-Man' desde que fue anunciada es que el público todavía tiene muy presente la anterior trilogía.
Marc Webb es el director de 'The Amazing Spider-Man' y ha tratado de revisar y mejorar el trabajo realizado por Sam Raimi en las anteriores tres entregas ('Spider-Man', 'Spider-Man 2' y 'Spider-Man 3'). Una de sus mayores aportaciones ha sido la inclusión de los POV (point of view shot o plano subjetivo) para meter al espectador en la acción y hacerle sentir partícipe de lo que ocurre. No se abusa de los POV y creo que su uso es un gran acierto. Estos planos son utilizados por Marc cuando el trepa muros se desplaza por la ciudad. Quizá podría haberse experimentado algo más con ellos, aunque el resultado es positivo.
Es la segunda película que dirige Marc Webb tras la inteligente comedia '(500) Días juntos'. Con 'The Amazing Spider-Man' Webb ha logrado un buen resultado, que sin tratar de ser algo rompedor u original se sostiene y funciona. No arriesga, pero convence.
¿Andrew Garfield o Tobey Maguire?
Emma Stone en 'The Amazing Spider-Man'
Uno de los grandes atractivos de esta película era descubrir al nuevo Peter Parker. Con Tobey Maguire (anterior actor de Spider-Man) podía reconocer a Spider-Man por el traje, pero no reconocía a Peter Parker. Aquel Peter Parker era un fracasado de instituto y un don nadie sin carisma, que poco tiene de parecido con el personaje de los comics.
El error más grave que se cometió con el Spider-Man de Tobey Maguire fue el no dotarle de una lengua afilada. Ese superhéroe no ironizaba ni se mofara de todos sus enemigos. El aire chulesco tan característico del hombre araña era invisible en la trilogía protagonizada por Tobey Maguire.
El Spider-Man de Andrew Garfield sí que recupera algo de esa esencia del superhéroe de los comics. Con Andrew se recupera el tono cómico del que hace gala Spider-Man en las series animadas y en los comics.
Esta película es solo el principio de Andrew Garfield como Peter Parker/ Spider-Man y esperemos que en las siguientes películas mejore aún más su trabajo. Yo personalmente me quedo con Andrew Garfield, sin ninguna duda.
Un pasado por descubrir
'The Amazing Spider-Man' profundiza en la muerte de los padres de Peter Parker. Siendo tan solo un chaval sus padres lo trasladan a casa de sus tíos. Desde ese día nunca más volvería a verlos. Ese misterioso pasado da pie a una trama bastante elaborada que, pese a terminar no profundizando demasiado, está mejor hilada que las tramas desarrolladas en anteriores entregas.
Desde que comienza la película hasta que la araña pica a Peter Parker transcurre mucho metraje. Ese hecho dice mucho del componente humano y real del que se ha querido dotar a Spider-Man.
Andrew Garfield en 'The Amazing Spider-Man'
En esta adaptación Peter está mucho más preocupado cuando es picado por
la araña: no sabe que le ocurre, ni como usar o controlar ese nuevo don.
Esa creación del superhéroe está muy bien elaborada y mejora con
respecto a 'Spider-Man' (2002).
El proceso de creación del superhéroe es muy verosímil, pero para mi gusto el instituto tiene demasiado protagonismo al inicio de la película.
Spider-Man por fin lleva cargas para disparar telas de araña, aunque no se hace mención de ello a lo largo de la película y no se le gastan. En la serie animada de los 90 se le acababan las cargas y las tenía que cambiar. Si añaden ese elemento en siguientes entregas puede ser interesante.
Los personajes principales están muy bien creados. He de destacar la actuación de Rhys Ifans como Dr. Curt Connors y Lagarto. Su motivación está muy claras desde el principio y es un personaje que tiene gran evolución a lo largo de la película. Es un villano a la altura de Spider-Man.
La relación romántica entre Peter Parker (Andrew Garfield) y Gwen Stacy (Emma Stone) está bien elaborada y no aburre tanto como lo hizo la relación entre Peter Parker y Mary Jane Watson en 'Spider-Man 3'. Sin embargo, creo que Emma Stone no está del todo bien. Aunque no creo que lo haga mal, su actuación no me convence en algunas escenas.
Un detalle que no me parece convincente es que Gwen invite a Peter a cenar a su casa con sus padres en la primera cita. Entiendo que es necesario que Peter conozca al padre de Gwen, pero podía haberse planteado de otra manera más verosímil.
El padre de Gwen es polícia y está en contra de la labor de Spider-Man en la ciudad porque cree que sus actos 'pisan' y entorpecen el trabajo policial.
De esa manera, Spider-Man es tomado como una amenaza por parte de la policía y en muchas partes de la película resulta ser un obstaculo más, una piedra en el camino que le impide llegar hasta Lagarto. Cameo por aquí, cameo por allí
Stan Lee durante el rodaje de la película
Bendito sea Stan Lee y benditos sean sus cameos. En 'The Amazing Spider-Man' Stan Lee es el bibliotecario que está escuchando música cuando Spider-Man y Lagarto están luchando. Creo que es de lejos la mejor escena de la película y el mejor cameo realizado en los últimos años.
Sin embargo, esta escena tiene algo que afecta de forma negativa a la película: una buena melodía. Sí, la música que escucha Stan Lee es de calidad, al contrario que la BSO de la película.
Si preguntas a cualquiera que haya visto 'The Amazing Spider-Man' si recuerda algo de la BSO, estoy seguro de que la gran mayoría se quedará de piedra y te responderá que no. La BSO de 'The Amazing Spider-Man' es muy discreta y está muy por debajo del film en general. Creo que es el punto más flojo de la película con diferencia. La canción que he puesto al final de la crítica no es de la película por esa misma razón.
Una gran película conlleva una gran responsabilidad
Esta nueva adaptación del hombre araña trae frescor al verano y una dosis gran dosis de entretenimiento. 'The Amazing Spider-Man' mejora conforme avanza la película.
Las dos películas que restan a esta trilogía no tienen mala pinta, pero esperemos que sus creadores sean responsables y se exijan un mejor resultado que el obtenido en 'The Amazing Spider-Man', que no es malo, pero que tampoco es sobresaliente.
Esta entrada es algo diferente a las que estoy acostumbrado a realizar. Soy consciente de que la entrada queda muy fuera de lugar, aunque me parece de un contenido muy interesante y por eso voy a publicarla. No obstante, este fin de semana volveré con las críticas de cine y no habrán más entradas de este estilo.
Introducción
Muchos videojuegos, sobre todo
dentro del género de las plataformas, han adaptado todas las innovaciones
jugables que ‘Super Mario Bros.’ mostró en 1985. A lo largo de los años, Mario
ha sido un referente dentro de los videojuegos de plataformas. Desde el
lanzamiento de ‘Super Mario Bros.’, Nintendo ha revolucionando una y otra vez
un género en el que los jugadores y desarrolladores siguen considerando a Mario
como mayor icono.
Evolución de Mario hasta 2008
Toda industria tiene un icono
visible, capaz de ser reconocido por cualquiera: en la literatura está el
anillo único, en el cine la figura de Charles Chaplin, en los cómics la máscara
de Batman o la S de Superman, etc. Si dentro de la industria de los videojuegos
buscamos un personaje reconocible ese es, sin duda, Mario.
Cualquier persona a lo largo de
su vida ha jugado a algún videojuego en el que aparece Mario, o por lo menos ha
oído hablar del emblemático personaje.
Las apariciones de Mario en
videojuegos (protagonizados y no protagonizados por él) superan ya los 200
títulos. El personaje continúa teniendo gran vitalidad pese a la
sobreexplotación a la que le somete Nintendo. El juego con el que Mario saltó a
la fama mundial (‘Super Mario Bros.’), juego sobre el que nos vamos a volcar
posteriormente, es el segundo juego más vendido de la historia (40’2 millones
de copias); tan solo superado por el reciente Wii Sports (2006, Wii) que ha
vendido más de 75 millones de copias en todo el mundo.
Estos datos reflejan el gran éxito
de la franquicia ya desde sus primeros títulos. La clave de que, tras más de 25
años, Mario siga siendo un referente en el sector es que, juego tras juego,
Nintendo sabe reinventar un género que sorprendentemente no muestra cansancio.
A lo largo de las siguientes
páginas hablaremos sobre la creación del personaje, sobre su primera aparición
en solitario con ‘Super Mario Bros.’ (1985) y sobre las consecuencias que tuvo
ese juego a nivel global para la industria.
El protagonista de este reportaje
es Mario, pero además de la franquicia más importante de Nintendo (junto con
Zelda) hablaremos de la primera consola de la compañía nipona y de la importancia que tuvo (y sigue
teniendo) Shigeru Miyamoto dentro de la empresa.
Dispuestos a ello y emulando a
nuestro querido fontanero, nos introducimos en una tubería que nos transportará
a los primeros años de la década de los 80, época en la que Miyamoto se
encontraba metido de lleno en el desarrollo de su primer juego, juego que
resultaría ser su primera gran obra maestra: Donkey Kong (1981).
Aunque antes de hablar de su
primer juego me veo en la obligación de poner en contexto al lector. Primero
hablaremos sobre como Miyamoto comenzó a trabajar en Nintendo y sobre como un
joven sin experiencia logró meter la cabeza en un sector que, por aquellos
años, estaba en pleno auge.
La consagración de un genio y el nacimiento de un mito
Durante su infancia, Shigeru
Miyamoto repartía el tiempo entre sus dos grandes pasiones: el dibujo y la
exploración de todo tipo de entornos naturales. Su afán por descubrir la
naturaleza y aquellos lugares totalmente inexplorados fue el origen de la
longeva franquicia Zelda.
Por otro lado, Miyamoto dividía
el tiempo que dedicaba a la pintura entre la plasmación de paisajes y la creación
de muñecos cartoon.
Miyamoto comenzó sus estudios en
la Universidad de Arte Industrial de Kanazawa en 1970, aunque dedicaba más
tiempo a sus hobbies que a sus estudios.
Miyamoto soñaba con
poder transformar lo que en ese momento eran hobbies en un trabajo del que
poder vivir.
Tras 5 años de estudio en la
universidad se graduó en diseño industrial. Era el momento de buscar trabajo.
Miyamoto consiguió acceder a
Nintendo gracias a su padre. Hiroshi Yamauchi (presidente de Nintendo por aquel
entonces) era amigo del padre de Miyamoto y, como favor, le concedió una
entrevista.
Por aquel entonces Nintendo era
toda una institución en Japón, dado que fue fundada en 1889.
Shigeru Miyamoto
A lo largo de su historia, la
compañía nipona se había dedicado a fabricar barajas hanafuda (tradicionales
naipes japoneses). En los años 70, Nintendo comenzaba a meter la cabeza en un
sector muy joven y arriesgado, aunque con un gran potencial futuro: los
videojuegos.
Tras meditarlo unos días,
Yamauchi decidió contratar a Miyamoto como artista. Era el año 1977, y ese
contrato marcaría el devenir de una compañía y un artista que desde ese momento
no han hecho más que crecer de la mano.
Los primeros trabajos de Nintendo
dentro del sector del videojuego fueron máquinas recreativas. En la compañía
eran conscientes del éxito que tenían esas máquinas en el mercado
estadounidense; así que, tratando de expandirse en EEUU, Yamauchi decidió
inaugurar la ahora conocida sucursal Nintendo América.
Unos años más tarde, ya en 1980,
Nintendo lanzó al mercado japonés la máquina recreativa ‘Radar Scope’, un
matamarcianos muy similar al ‘Space Invaders’ de Atari, juego típico del
momento. Miyamoto participó en el desarrollo de ese juego como ayudante de
programador; fue el primer juego en el que trabajaba. Hay que tener en cuenta
que en esos años el sector de los videojuegos estaba dominado por juegos como
el matamarcianos de Atari o el comecocos, PacMan, de Namco.
‘Radar Scope’ tuvo un éxito
moderado en Japón, pero fue suficiente para que la compañía se planteara lanzar
la recreativa en tierras estadounidenses.
Radar Scope
Arakawa, yerno de
Yamauchi y director de Nintendo America, pidió a Nintendo Japón que mandara
3000 máquinas recreativas con ‘Radar Scope’ integrado. Arakawa estaba
convencido de que el videojuego sería un éxito y sabía que era una gran
oportunidad para intentar expandir la compañía; sin embargo, la recreativa fue
un autentico fracaso.
No se consiguió vender ninguna
máquina y la filial de Nintendo estuvo a punto de desaparecer. Arakawa, antes
de tirar la toalla, explicó a Yamauchi un plan que tenía en mente para evitar
el desastre. Ese plan consistía en desarrollar un nuevo juego en las 3000
máquinas y volver a intentar vender las máquinas con ese nuevo juego programado.
La propuesta convenció a Yamauchi,
pero en lugar de arriesgarse en desarrollar desde cero un nuevo juego para las
máquinas pensó que lo mejor sería crear una versión modificada del ‘Radar
Scope’. Su objetivo era modificar el juego para adaptarlo a las exigencias del
público americano. Encargó esa labor al joven artista Miyamoto, que había sido
ayudante del programador principal del ‘Radar Scope’.
A Miyamoto no le convencía la
idea, así que ofreció a Yamauchi la creación de un videojuego totalmente nuevo,
con unas mecánicas nunca vistas hasta el momento.
Yamauchi dudó en un primer
momento, dado que iba a dejar en manos de un inexperto y joven artista el
devenir de la compañía en EEUU; aunque tras meditarlo mucho llegó a la
conclusión de que era mejor crear algo genuino que desarrollar otro
matamarcianos que volviera a fracasar estrepitosamente. Así pues, aceptó que
Miyamoto desarrollara su videojuego en las recreativas; aunque, para asegurarse
de la fiabilidad del proyecto, Yamauchi encargó a Gunpei Yokoi (histórico de la
compañía que por esa época estaba desarrollando las primeras consolas
portátiles de la empresa: las míticas Game & Watch) que supervisara el
trabajo del joven artista.
Con todas las esperanzas de
Nintendo puestas en Miyamoto se puso en marcha el desarrollo del ‘Donkey Kong’,
videojuego en el que el personaje Mario aparecería por primera vez; aunque dicha
aparición no está exenta de anécdotas que harán de las delicias de todo
aficionado del fontanero saltarín.
Donkey Kong (1981)
En esa época, Nintendo estaba
tratando de hacerse con los derechos del personaje de animación Popeye para
desarrollar un videojuego en el que aparecieran los principales personajes de
la serie.
Yamauchi pidió a Miyamoto que
adaptara el videojuego que estaba desarrollando para que tuvieran cabida los
personajes principales de la serie. Miyamoto accedió y tomo como base su
propuesta inicial para introducir a Brutus, Popeye y Olivia.
En el juego, Popeye tendría como
objetivo rescatar a una damisela en apuros, saltando y esquivando obstáculos.
El objetivo del jugador sería esquivar los obstáculos que Brutus pusiera por el
camino de Popeye para poder rescatar a Olivia. Sin embargo, King Features
Syndicate, los propietarios de los derechos de autor de Popeye, decidieron no
ceder los derechos a Nintendo.
Recreativa 'Donkey Kong' (1981)
Este hecho fue determinante...
¿qué habría sido de Mario? ¿Popeye lo habría sustituido? ¿Habría tenido la
misma repercusión que ha tenido Mario? Todas estas son algunas de las preguntas
cuya respuesta nadie sabe. Lo que nadie duda es que Miyamoto habría
desarrollado su creatividad igualmente independientemente del protagonista de
sus obras.
Pese a la negativa de King
Features Syndicate, el proyecto continuó; así que Miyamoto rediseñó a los
personajes tal y como él se los había imaginado. Sustituyó a Bruto por un
gorila al que acabó bautizando como Donkey Kong, Popeye pasó a ser un héroe sin
nombre y Olivia pasó a ser una doncella de nombre indeterminado. El único
cambio que Miyamoto realizó en cuanto a la forma de jugar al juego fue
intercambiar las espinacas de Popeye por un martillo que permitiría al
protagonista evitar sus obstáculos.
Con el juego terminado, los
esfuerzos de Miyamoto pasaban por crear un personaje carismático con el que
todo usuario se pudiera identificar. Sin embargo, no fue una tarea fácil debido
a las limitaciones técnicas de las recreativas. El pelo no podía ser
representado, así que Miyamoto decidió poner una gorra roja que destacara. Para
poder diferenciar las distintas partes del cuerpo, Miyamoto vistió a su héroe
con un mono de trabajo. A los ojos del creador japonés el personaje que estaba
creando era un carpintero, aunque en futuros juegos le convertirá en el
fontanero que todos conocemos. Por último, para poder diferenciar la prominente
nariz del personaje con respecto a sus otras facciones, el genio japonés le
puso un mostacho.
Con el diseño del personaje
terminado, lo único que faltaba era un nombre pegadizo; así pues, al igual que
hizo con Donkey Kong, Miyamoto trato de encontrar una palabra inglesa que
definiera al personaje. Decidió llamarlo Jumpman, nombre que parecía más una
definición que una denominación.
Tras su desarrollo, el videojuego
fue inmediatamente exportado y montado en las 3000 máquinas que cogían polvo en
el almacén de Nintendo América. Allí, el juego de Miyamoto no tenía nada
entusiasmada a la sucursal, dado que se alejaba mucho de las mecánicas que
triunfaban en Estados Unidos.
El juego fue montado en un
principio únicamente en 2 máquinas recreativas, aunque con un cambio de última
hora: el nombre Jumpman no convencía nada a Nintendo América, así que fue
renombrado por Arakawa, que lo bautizó como Mario.
Es curioso el personaje termine
con un nombre italiano, aunque todo tiene su explicación. Arakawa lo llamó
Mario a razón del nombre del propietario de las oficinas de Nintendo América,
Mario Segali.
De esa forma fue como Mario nació
tal y como lo conocemos, aunque en ese momento era tan solo un feto. Ni el
propio Miyamoto imaginaba en lo que Mario se iba a convertir.
Con respecto al juego, ‘Donkey
Kong’ fue un éxito tan rotundo como inesperado por parte de la compañía nipona.
El juego llegó a vender 4000 recreativas al mes y en dos años reportó a
Nintendo unos ingresos superiores a los 280 millones de dólares.
Miyamoto y el juego fueron de la
mano hacia el éxito. El creador japonés se ganó una reputación y un respeto que
le valieron para tener carta blanca dentro de la empresa. Algo lógico, teniendo
en cuenta que había salvado de la quiebra a Nintendo America.
En 1982, Mario volvió a compartir
protagonismo con Donkey Kong en la conversión que se realizó de la exitosa
recreativa para las portátiles Game & Watch. Esa conversión fue diseñada
por Miyamoto, y rápidamente se convirtió en una de las Game & Watch más
demandadas por el público. Tras esa conversión, Miyamoto comenzó a trabajar en
la secuela de Donkey Kong, que acabó llamando ‘Donkey Kong Jr.’ (1982).
Donkey Kong Jr. (1982)
Lo curioso de este juego es que esta
vez Mario era el enemigo a superar. Es la primera y única vez que sucede esto;
nunca Mario ha vuelto a tomar el rol de villano. Este juego respeta la mecánica
del primer juego, pero introduce plataformas totalmente originales. El
protagonista de la secuela es el hijo de Donkey Kong y su misión consiste en
rescatar a su padre, que ha sido secuestrado y encerrado en una jaula tras lo
acontecido en el primer juego. Al igual que el primer ‘Donkey Kong’ este
también fue desarrollado para máquinas recreativas.
‘Donkey Kong Jr.’ fue un rotundo
éxito que sirvió para consolidar a Miyamoto como uno de los desarrolladores más
prometedores de la industria del videojuego.
El videojuego contó con diversas
conversiones a las portátiles Game & Watch, que sirvieron para aumentar aún
más las ventas del producto. Con las recreativas se creaba una necesidad de
querer seguir jugando. Ahí es donde entraban en juego las portátiles. Poder
utilizar unas máquinas portátiles con las que poder jugar en tu casa sin tener
que ir a un salón recreativo era algo muy atractivo. Fue un acierto por parte
de Nintendo.
No en vano parecía claro que,
pese al éxito cosechado con ‘Donkey Kong Jr.’, el personaje de Mario no
encajaba como enemigo a vencer.
Tras este proyecto, Miyamoto
decidió aparcar un momento a Mario para desarrollar un trabajo con Donkey Kong
como protagonista; así llegó ‘Donkey Kong 3’ (1983). El creador japonés sabía que el
personaje Mario tenía un futuro brillante, así que decidió reservarlo para
futuros títulos en los que trabajaría con él en solitario.
De esta manera, en ‘Donkey Kong 3’, Miyamoto desarrolló a un
muchacho humano llamado Stanley en lugar de utilizar a Mario como némesis de
Donkey Kong.
Los videos son interesantes para
percibir la evolución de cada ‘Donkey Kong’ con respecto del anterior. No es
necesario que el lector vea el contenido de todos los vídeos, pero unos
segundos pueden servir para mostrar al lector cómo eran las mecánicas de cada
juego.
Tras ‘Donkey Kong 3’, Miyamoto creó el primer
juego en el que Mario aparecía como protagonista absoluto: ‘Mario Bros.’
(1983).
Mario Bros. (1983)
Con el paso del tiempo, ‘Mario
Bros.’ se convirtió en un clásico que, aún a día de hoy, tiene protagonismo
gracias a sus múltiples remasterizaciones y conversiones.
Con ‘Mario Bros.’, Miyamoto
decidió que aquel personaje que había bautizado en un primer momento como
Jumpman se merecía su propio juego. ‘Mario Bros.’ se trata de otro juego sobre
plataformas que supone un giro de tuerca más al género (como ya habría ocurrido
en DKJr. Y DK3).
Portada de Mario Bros
En este juego, Mario cambia su
profesión para ser el fontanero que todos conocemos hoy. Más tarde, volverá a
cambiar de profesión en algún spin-off (juegos derivados de otros más
importantes) de la franquicia; en el resto de juegos importantes seguirá siendo
un fontanero ítaloamericano.
En este juego se produce la
primera aparición de Luigi, hermano de Mario. Sin embargo, debido a las
limitaciones técnicas de las recreativas, Luigi solo se diferenciará de Mario
en la paleta de colores (en la de Luigi predomina el color verde, mientras que
en la paleta de Mario predomina el rojo).
El artista japonés aprovechó este
juego para incluir un argumento desarrollado, algo que era muy poco común en
aquellos años. En ‘Mario Bros.’ Mario y Luigi son dos fontaneros
ítaloamericanos que reciben la misión de investigar las alcantarillas
neoyorquinas. El motivo de ese encargo se debe a que de las tuberías del
alcantarillado no paran de salir unas extrañas criaturas. El objetivo de Mario
y Luigi en el juego es detener a las extrañas criaturas para que no lleguen a
la superficie de la ciudad.
Los enemigos a los que se
enfrentan los hermanos proceden del Reino Champiñón, lugar que visitarán años
después en el magistral ‘Super Mario Bros.’ (1985). ‘Mario Bros.’ es una
precuela de ‘Super Mario Bros.’.
En ‘Mario Bros.’ la mecánica del
juego es muy sencilla, pero a la vez es una de las más adictivas que existen.
La pantalla del juego esta dividida por una serie de plataformas a las que podemos
acceder saltando. Moviendo a Mario podemos aparecer por el otro lado de la
pantalla si sobrepasamos uno de los dos extremos; algo que ocurre en el también
mítico e incombustible ‘Pac-Man’ (Namco, 1980). El juego está dividido en
fases, y al comienzo de cada fase los enemigos comenzarán a aparecer de forma continua
desde las tuberías colocadas en la parte
superior. Para vencerlos tendremos que golpear desde abajo la tubería por la
que se encuentran. Al golpearlos se quedarán boca arriba, de forma vulnerable,
con lo que solo será necesario que choques con ellos para poder eliminarlos.
Cada nivel es más complicado que
el anterior. El diseño del escenario es idéntico en cada fase, aunque los
enemigos que van apareciendo irán variando. El número de enemigos diferentes es
alto, lo que permitirá una variedad que la repetición del escenario en cada
fase no te ofrece.
El éxito de ‘Mario Bros’ fue
bastante discreto tanto en Japón como en EEUU. La crítica lo alabó, pero en
aquellos años la industria del videojuego norteamericana (y por lo tanto
global) acababa de entrar en una profunda crisis (crack del 83), por lo que el
juego no tuvo el éxito esperado. Esta crisis fue provocada por la exagerada
cantidad de consolas y juegos mediocres que poblaban el mercado. Esta situación
llevó a muchas compañías estadounidenses a la bancarrota.
El mercado estadounidense no se
encontraba en un buen momento para recibir novedades, por lo que ‘Mario Bros.’
pasó algo desapercibido hasta que Nintendo algunos años después lanzó la NES al
mercado con una conversión del título.
Lo cierto es que Nintendo fue muy
oportuna con el lanzamiento de su primera plataforma doméstica. La Family
Computer (Famicom, renombrada como NES – Nintendo Entertainment System – en
occidente) no encontró competencia en un mercado japonés marcado por esa
reciente crisis. Innumerables consolas y ordenadores estadounidenses se habían
pegado un batacazo gigantesco. Todas las recreativas más importantes de la gran
N fueron lanzadas en su primera consola. Esto permitió que en 1983 (año de
lanzamiento de la consola en Japón)
llegaran a Famicon ‘Donkey Kong’, ‘Donkey Kong Jr.’ y ‘Mario Bros.’. La conversión
de ‘Mario Bros.’ logró vender más de 1’63 millones de copias en Japón.
En los años sucesivos, ‘Mario
Bros.’ fue convertido a otros muchos sistemas. En este reportaje no vamos a
abordar todas las conversiones y remakes que han salido a la luz debido a que
nos llevaría un espacio que prefiero aprovechar para hablar sobre la gran obra
maestra que elevó a Mario al olimpo del ocio electrónico y que lo encumbró como
icono de la industria a nivel mundial; además de convertir a Japón meca del
videojuego.
De ‘Mario Bros’ hacia ‘Super Mario Bros’. Lanzamiento de NES en EEUU
Antes del lanzamiento de ‘Super
Mario Bros.’ en 1985, se lanzaron al mercado varios juegos con Mario como
protagonista. Son juegos menos conocidos que sirvieron de aperitivo para el
bombazo que llegaría en 1985. Esos juegos son: ‘Pinball’ (1984) y ‘Wrecking Crew’ (1985).
El juego ‘Pinball’ fue el primer
cameo realizado por Mario en un juego con mecánicas totalmente diferentes al
género que le vio nacer. Este juego supuso una de las primeras ocasiones en las
que se intentó trasladar las máquinas del millón o pinball a los videojuegos.
‘Pinball’ llegó a Norteamérica en 1985 como uno de los primeros juegos de NES
en ese mercado.
El mismo año en el que se lanzó
‘Super Mario Bros.’ también vio la luz el videojuego ‘Wrecking Crew’. En este
juego, Mario y Luigi son los protagonistas, y su misión es realizar la
demolición de los muros que van apareciendo en cada nivel. El personaje de
Mario pierde parte de la movilidad que le caracteriza en este título. Mario no
puede saltar. Intentaron mezclar plataformas y puzzles, pero no les salió bien
la jugada.
Ninguno de los dos títulos
mencionados anteriormente fueron desarrollados por Miyamoto.
La pregunta entonces es: ¿Qué
tenía Miyamoto entre manos?
NES
Durante sus primeros
años en la empresa, Miyamoto había estado trabajando siempre bajo la
supervisión de Gunpei Yokoi, pero tras el lanzamiento en Japón (1983) de la
consola de 8 bits de Nintendo (Famicon), desde la dirección de la empresa se
decidió que Miyamoto contara con su propio equipo de desarrollo. El objetivo de
Nintendo era crear una serie de equipos de desarrollo liderados por sus
miembros más talentosos para poder nutrir a su primera consola de sobremesa de
gran cantidad de juegos. Una consola vive del equilibrio entre calidad y
cantidad, y eso Nintendo lo sabe muy bien.
Así pues, el padre de Mario pasó
a ser la cabeza visible del Joho Kaihatsu, equipo conocido mundialmente como
Entertainment Division o Nintendo EAD. De manos de este equipo de desarrollo
salieron a la luz títulos menores como ‘Wild Gunman’ o ‘Hogan’s Alley’, aunque
lo mejor sería lo que vendría después.
La recepción de la Famicon en
Japón fue muy buena, por lo que la compañía empezó a recibir los ingresos
necesarios que permitían a Yamauchi plantearse lanzar la consola en otros
países (con EEUU como objetivo claro).
El problema de lanzar la Famicon
en EEUU era la situación del país por el crack del 83.
Teniendo en cuenta eso era
bastante arriesgado lanzar la consola en ese mercado, pero Yamauchi decidió
arriesgarse e intentarlo de todas maneras. En un primer momento, la compañía
trató de recibir el apoyo de Atari para lanzar la consola en tierras americanas;
no obstante, esta ‘alianza’ no llegó a consumarse debido a que Atari había
sufrido mucho el Crack del 83 y prefería intentar revertir la situación
lanzando sus propias consolas.
Otra idea fue convertir a Famicon
en una computadora utilizando periféricos que se irían adaptando a la consola,
pero la idea también acabo siendo desechada.
Al final, Yamauchi decidió dejar
el lanzamiento de la consola en EEUU en manos de sus dos hombres de mayor
talento: Gunpei Yokoi y Shigeru Miyamoto.
La consola finalmente tomó el
nombre de Nintendo Entertainment System (NES) en occidente y fue lanzada en dos
packs. Del contenido de los packs se encargaron Yokoi y Miyamoto.
El pack de Yokoi era un pack
pensado en vender la consola de manera que fuera vista como un juguete en lugar
de una consola de videojuegos. Para ello en una misma caja se incluyeron la
consola, un periférico llamado R.O.B., la pistola Zapper y los juegos ‘Gyromite’
(para usarlo con R.O.B.) y ‘Duck Hunt’ (para la pistola). Este pack terminó
llamándose Deluxe Set y se vendió por 250 dólares.
Anuncio en EEUU del Deluxe Set:
El segundo pack fue el pensado
por Miyamoto. Para este pack, que iba a incluir la consola y dos mandos de
control, Yamauchi quería que incluyera un juego rompedor con una calidad nunca
antes vista. Tenía que ser un juego que incentivara a la gente a comprar la
consola solo por querer probarlo. Si alguien podía crear ese juego ese era
Miyamoto. De esta forma, Miyamoto se puso manos a la obra y comenzó a desarrollar
el juego que sería su primera gran obra maestra (‘Super Mario Bros.’). Durante
el desarrollo de dicho juego no realizó nada más; de ahí que desde 1983 a 1985 no participara
de forma directa en el desarrollo de ningún título.
‘Super Mario Bros.’ fue un
videojuego que revolucionó no solo el género de las plataformas, sino toda la
industria de los videojuegos.
Super Mario Bros.
En este título se produce la
primera aparición del Reino Champiñón en la franquicia de Mario. Tras el
videojuego ‘Mario Bros.’, Mario y Luigi se introducen en las tuberías
subterráneas de Nueva York y terminan en un lugar de fantasía: el Reino
Champiñón. En el Reino Champiñón deberán enfrentarse a Bowser, el tirano que
está en el poder. Bowser ha secuestrado a la princesa Toadstool (más tarde será
llamada Peach), que es la regente del reino.
Con la trilogía de ‘Donkey Kong’
y el primer ‘Mario Bros’, Miyamoto había sentado las bases de un género que
prácticamente él había creado. Solo Frogs (1978) o Space Panic (1980) habían
trabajado con el concepto de las plataformas y los personajes saltarines con
anterioridad.
Tras explorar el género con el
que había trabajado siempre, Miyamoto quería ir más allá. Creó un juego de
plataformas como nadie había podido imaginarlo en esa época.
Portada del Super Mario Bros para NES
Todos los juegos de
plataformas creados con anterioridad (tanto por el genio nipón como por otros
desarrolladores) eran juegos con pantallas estáticas; es decir, eran juegos en
los que la cámara no se movía según avanzaba el personaje. Normalmente tenías limitada
una zona, y si te permitían sacar a tu personaje de la pantalla aparecías por
el otro lado. Con ‘Super Mario Bros.’, Miyamoto creó un juego de plataformas de
Scroll horizontal (la cámara avanza con el personaje). Ese Scroll horizontal le
permitió dotar al juego de muchos elementos y de fases mucho más largas. En el
juego Mario estaba dotado de una agilidad única, y tenía que llegar al final de
cada pantalla valiéndose únicamente de su habilidad para saltar. Otro detalle
que hizo a este juego distinto del resto son las transformaciones que podía
sufrir Mario mediante el consumo de champiñones; es la primera aparición de los
champiñones en la franquicia.
Cada nivel es un mundo por si
solo. En ‘Super Mario Bros.’ se estableció la distinción de fases (World 2-1,
World 2.2) que desde ese momento se repite en la mayoría de los juegos
protagonizados por Mario. La aventura que vivía Mario en este juego es la más
variada que se había creado en un videojuego hasta ese momento; cada uno de los
ocho mundos de los que está determinado el título tiene su personalidad y
carisma particular.
La colocación de todos los
elementos que poblaban la pantalla es magistral. En ‘Super Mario Bros.’ todo
está dispuesto de forma inteligente (objetos, plataformas, enemigos, ítems,
obstáculos, etc.). Ninguna fase es similar a la anterior.
Precisamente, esa imaginación a
la hora de crear plataformas es lo que ha diferenciado a los juegos creados por
Miyamoto (y Nintendo) del resto. Los juegos de plataformas de Nintendo aún hoy
siguen siendo los mejores del género, con una diferencia muy notoria con
respecto a los realizados por cualquier otra desarrolladora.
Como se puede ver en el vídeo,
‘Super Mario Bros.’ ya contaba con la magnífica melodía que lo acompañaría
hasta hoy. Además de la canción principal, también se ha respetado en los
sucesivos juegos el sonido de las monedas o el sonido de Mario al saltar.
El 15 de Septiembre de 1985, esa
fue la fecha en la que ‘Super Mario Bros.’ fue lanzado en Japón. No obstante,
tal y como he mencionado con anterioridad, el juego fue concebido para servir
como estandarte de Nintendo en su aventura por tierras norteamericanas. De esa
manera, la Nintendo Entertainment System (NES) fue lanzada en EEUU el 18 de
octubre de 1985 y en muy poco tiempo se desató la locura. Mario reventó el
sector y arrasaba allá por dónde pasaba haciendo de NES un fenómeno de masas.
Algo similar ocurrió hace no muchos años también con Nintendo como
protagonista. El lanzamiento de Wii, su última consola de sobremesa, fue una
locura colectiva, y con los años se ha convertido en una de las consolas más
vendidas.
Pero volviendo a lo importante,
el Crack del 83 terminó de un plumazo gracias a ‘Super Mario Bros.’, a
Miyamoto, a su equipo y al buen hacer de Nintendo.
El volumen de ventas de ‘Super
Mario Bros.’ supuso la reactivación de la industria videojueguil, que permitió
que otras consolas pudieran lanzarse en territorio norteamericano sin temor a
fracasar de forma estrepitosa.
Como el lector puede percibir, la
llegada de Miyamoto a la empresa nipona fue determinante, al igual que el
lanzamiento de ‘Super Mario Bros.’ fue decisivo para la recuperación de una
industria tocada.
Además de todo esto, ‘Super Mario
Bros.’ convirtió a Japón en la cuna del ocio interactivo, privilegio que desde
la década de los 70 había sido de Estados Unidos.
Revolución para el género de las
plataformas; marcador de un antes y un después en la industria; salvador de
todo un mercado al borde del colapso total; otorgador del título de ‘meca del
videojuego’ para Japón. Eso fue todo lo que supuso el lanzamiento de ‘Super
Mario Bros.’, que no es poco.
Despedida
Espero que el lector haya
encontrado interesante todo este recorrido por los primeros años de vida de un
icono dentro de los videojuegos. Un servidor, como fan declarado de las
aventuras de Mario, no puede estar más satisfecho por haber podido realizar
esta labor de investigación. Desde que mi hermano compró una consola llamada
Nintendo 64 he seguido con interés e ilusión los pasos de la compañía japonesa.
Para mí, poder realizar un reportaje sobre Mario y, por ende, sobre Nintendo y
Miyamoto, significa mucho.
Este período que hemos analizado
(desde 1981 hasta 1985) me parece el más determinante dentro de Nintendo. Y
hablar de Nintendo es hablar de la empresa que más ha innovado dentro del
sector del videojuego. Hablar de Nintendo es hablar de palabras mayores. El
olimpo de los videojuegos es suyo.
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